Crítica de «Cumbres Borrascosas»: Superficialidad y Cine

Una reciente versión de “Wuthering Heights” vuelve a generar controversia al privilegiar la estética, la sensualidad y la evocación cinematográfica por sobre la lealtad al texto literario. La propuesta de Emerald Fennell no pretende replicar la novela de Emily Brontë, sino entablar un diálogo con décadas de tradición fílmica. El resultado se convierte en una pieza que provoca tanto admiración como desconcierto a partes iguales.

Desde su anuncio oficial, la versión más reciente de “Wuthering Heights” bajo la dirección de Emerald Fennell ha suscitado un vivo intercambio cultural. No se presenta solo como otra adaptación de la famosa novela de Emily Brontë, sino como una declaración sobre la manera en que el cine actual puede reinterpretar un clásico sin someterse a una fidelidad rígida. En lugar de perseguir una recreación académica de los páramos ingleses o del drama victoriano, la cineasta británica apuesta por una propuesta estilizada, sensorial y marcada por una fuerte autoconciencia.

La película, estrenada bajo el título entrecomillado de “Wuthering Heights”, introduce desde su promoción una pista clara: no aspira a ser la adaptación definitiva, sino una versión posible entre muchas. Esa elección gráfica, aparentemente menor, funciona como un gesto programático. Las comillas evocan una tradición visual del Hollywood de mediados del siglo XX, cuando los títulos aparecían destacados en los tráilers como recurso tipográfico distintivo. Al recuperar ese estilo, Fennell sugiere que su película dialoga más con la historia del cine que con el texto publicado en 1847.

En términos narrativos, la directora toma una decisión que ha acompañado a varias versiones anteriores: concentrarse únicamente en la primera mitad de la novela. Al hacerlo, el relato se interrumpe antes de que la historia de amor derive en un examen más amplio sobre el resentimiento, la herencia emocional y el trauma generacional. Esta elección reduce la complejidad estructural del libro, elimina personajes secundarios y simplifica la cronología. Sin embargo, al mismo tiempo intensifica la dimensión erótica y física de la relación entre Catherine y Heathcliff, subrayando el deseo, la obsesión y la pulsión corporal por encima de la reflexión psicológica.

Esa apuesta estética se traduce en una puesta en escena marcada por el exceso sensorial. La cámara se detiene en texturas, fluidos, superficies húmedas y detalles táctiles que construyen una experiencia más epidermis que introspección. La lluvia, el barro y los objetos cotidianos adquieren un protagonismo casi simbólico, pero nunca terminan de trascender la superficie. Para algunos espectadores, esta decisión constituye una traición al espíritu de Brontë; para otros, representa una actualización audaz que traslada la intensidad romántica al lenguaje visual contemporáneo.

El diálogo con el pasado cinematográfico se vuelve aún más notorio al contrastar las referencias de Fennell con la emblemática adaptación de 1939 realizada por William Wyler; aquella versión clásica, con Merle Oberon como protagonista, fijó una visión romántica y pulida del relato que con el paso del tiempo llegó a influir en el imaginario popular tanto como la propia novela original, y la nueva película parece reconocer que ese antecedente constituye una parte inseparable de la tradición de “Wuthering Heights”.

La protagonista Catherine, interpretada esta vez por Margot Robbie, representa una combinación renovada de tributo y reinterpretación. El vestuario diseñado por Jacqueline Durran destaca como uno de los aspectos más comentados de la película. Robbie despliega numerosos conjuntos que remiten al glamour desbordado del Hollywood clásico, alejándose de la austeridad propia del siglo XVIII rural. Tul, terciopelo, pieles y abundantes joyas convierten a Cathy en una figura casi mítica, más vinculada al star system que a una recreación estrictamente histórica.

La inspiración visual no se limita a la adaptación de Wyler. Durante la preparación del rodaje, Fennell compartió con su equipo un voluminoso compendio de referencias que incluía imágenes de Scarlett O’Hara en Gone with the Wind y la estética fantástica de Donkey Skin. Estas influencias revelan una intención clara: construir un universo visual que no responda a criterios de exactitud histórica, sino a una verdad emocional definida por el cine mismo.

En declaraciones públicas realizadas en el Victoria and Albert Museum de Londres, la directora ha insistido en que el vestuario no pretende reproducir una época concreta, sino expresar estados internos. La diseñadora Durran ha descrito el proceso como intuitivo y emocional, más que documental. Esta postura desafía la expectativa habitual que rodea a los dramas de época, donde la fidelidad a los detalles históricos suele considerarse un indicador de calidad.

La recepción crítica no ha sido homogénea, pues algunos medios han cuestionado la simplificación del argumento y el foco puesto en la sexualidad explícita, interpretando estas decisiones como un recurso para provocar o actualizar la obra a cualquier precio. Otros estudios, por el contrario, han destacado que cada generación adapta los clásicos en función de sus propias inquietudes culturales. En 1939, el propio The New York Times publicó una crítica firmada por Frank S. Nugent en la que se respaldaban las licencias creativas de Wyler, señalando que la película lograba condensar con acierto el núcleo emocional del relato.

El paralelo histórico resulta inevitable. Si la versión de 1939 fue acusada en su momento de suavizar o simplificar la novela, la de 2026 enfrenta críticas opuestas: se le reprocha haber intensificado lo carnal y reducido la dimensión moral y social. No obstante, ambas comparten un mismo impulso: reinterpretar el texto para ajustarlo a los códigos estéticos de su tiempo. En ese sentido, Fennell parece consciente de que toda adaptación implica una toma de postura, una lectura parcial que privilegia ciertos aspectos y sacrifica otros.

Más allá del debate sobre fidelidad, la película puede entenderse como una reflexión sobre el propio acto de adaptar. Al elegir referencias cinematográficas en lugar de literarias, la directora sitúa su obra dentro de una genealogía visual. La pregunta que sobrevuela el proyecto no es si se ha respetado cada detalle de Brontë, sino qué significa hoy filmar una historia que ya ha sido contada tantas veces. En lugar de competir con el texto original, la película compite con sus predecesoras en la pantalla.

La estrategia comercial también forma parte del fenómeno. Distribuida por Warner Bros. Pictures, la producción se inserta en un mercado global donde los clásicos literarios continúan siendo una apuesta segura, siempre que se presenten con un giro distintivo. La polémica inicial, alimentada por el tráiler y las redes sociales, ha contribuido a posicionar la película como un evento cultural, más allá de su calidad artística.

En última instancia, la versión de Fennell no busca reconciliar a los puristas con los espectadores casuales. Su ambición parece orientada a provocar una experiencia sensorial intensa, incluso a riesgo de resultar superficial para algunos. La superficie brillante —esa piel húmeda sobre la que resbalan las imágenes— funciona como metáfora de una propuesta que privilegia el impacto visual inmediato sobre la densidad narrativa.

Queda por determinar si el paso del tiempo consolidará esta adaptación como una reinterpretación relevante o como una curiosidad estilística. Lo cierto es que, al igual que ocurrió con la película de Wyler en su momento, la discusión sobre “Wuthering Heights” trasciende la comparación con la novela. Se trata, en el fondo, de una conversación más amplia sobre cómo el cine reescribe la literatura y sobre qué espera el público contemporáneo de un clásico.

Al elegir mirar hacia el Hollywood de mediados del siglo XX en lugar de hacia el siglo XIX, Emerald Fennell ha dejado clara su postura: la historia de Catherine y Heathcliff no es un monumento intocable, sino un material maleable. Para algunos, esa libertad creativa ilumina el relato con una nueva luz; para otros, lo reduce a un reflejo brillante pero poco profundo. Como suele ocurrir con las obras que dividen opiniones, el verdadero veredicto dependerá de la memoria colectiva y de la capacidad del filme para seguir generando conversación más allá del estreno.